L’artiste contemporain américain Dan Alva a revisité les œuvres des maîtres pour sa première exposition personnelle.
Originaire de Miami, Dan Alva a grandi dans une famille très manuelle. Enfant, il passait de nombreuses heures dans le garage à bricoler avec son père ingénieur, et a toujours été impliqué dans la réparation de voitures et de vélos, apprenant ainsi à utiliser des outils et à travailler de ses mains. C’est progressivement qu’il s’est intéressé à la photographie, capturant ses soirées et ses sessions de skateboard avec ses amis. Par la suite, il s’est tourné vers le graphisme, puis la publicité. Depuis huit ans, il s’est consacré à la peinture à l’huile, réinterprétant les œuvres des grands maîtres avec un style rappelant celui des anciens peintres, tout en y insufflant une touche résolument contemporaine.
Pouvez-vous nous dire quand vous avez commencé à vous intéresser à l’art et quels types ou genres d’art et de médias vous ont attiré ?
DA : J’ai toujours eu le désir de m’engager dans une industrie créative, où je pourrais porter un t-shirt au lieu d’un costume et d’une cravate. C’était mon premier objectif ! La photographie a été un élément clé de mon parcours créatif. J’ai commencé à utiliser des appareils photo numériques dès leur lancement, puis je me suis tourné vers la photographie argentique, apprenant à utiliser la chambre noire et à développer mes films. C’était un cours que je suivais à l’école, mais j’avais l’impression de ne pas y être, car j’étais noté sur mes photos, ce qui m’enchantait. C’était la première fois que j’obtenais de bonnes notes pour quelque chose que j’aimais faire. Cela m’a ensuite conduit vers le graphisme, notamment en raison de l’édition et de l’utilisation de Photoshop, puis de là, j’ai évolué vers la publicité. Au cours des dix dernières années, j’ai de plus en plus concentré mes efforts sur des projets personnels en studio. J’avais un espace, un genre de « caverne d’homme » dans un entrepôt, que nous appelions « The Truth », où je passais du temps avec d’autres amis créatifs. Peu à peu, nous avons commencé à construire nos œuvres ensemble, c’était un processus très collaboratif. Cet endroit est devenu un véritable club pour créatifs, un espace libre où il n’y avait pas de règles. Cela m’a permis de découvrir la sculpture, puis de m’intéresser à la peinture et aux toiles, que j’essaie désormais de recréer tout en y apportant ma propre expression.
Comment votre style personnel a-t-il évolué au fil du temps et comment décririez-vous votre travail ?
DA : J’aime créer et ensuite passer à autre chose. Pour moi, m’attarder sur une seule série représente déjà un grand défi ! Cependant, je ne me lasse pas encore de ce style. Non seulement il fonctionne bien, mais je ressens également un réel désir de l’explorer davantage. J’imagine mon travail dans un cadre moderne, en bord de mer, baigné de lumière naturelle. J’apprécie de jouer avec les traditions en y apportant une touche contemporaine. Je ne veux pas que mes peintures ressemblent à une simple reproduction de Picasso ou Van Gogh, elles doivent offrir quelque chose de plus. J’aime un peu tromper le spectateur en le poussant à réfléchir à la composition exacte de l’œuvre. C’est le style que j’ai développé, et je souhaite continuer à l’approfondir.
Qu’est-ce qui vous a inspiré et motivé à « remasteriser » des œuvres des maîtres, en fusionnant votre propre style distinctif avec des créations historiques célèbres ?
DA : J’ai toujours vu ces œuvres dans des musées traditionnels, avec leurs cadres imposants et visibles, et c’est fascinant de les observer dans ces espaces, car je crois que c’est là qu’elles doivent être. Cependant, je me suis toujours demandé : « Et si l’on plaçait ces œuvres dans un cadre moderne ? » Mon intention n’était donc pas de les conserver intactes, mais plutôt de les remettre à la vie dans le contexte actuel, dans la culture dans laquelle nous évoluons, avec toutes ses transformations. En travaillant avec des œuvres anciennes, mon premier objectif était de pouvoir traiter des peintures de plus de 100 ans sans avoir à me soucier des droits d’auteur. Ensuite, je voulais honorer ces maîtres tout en leur insufflant une touche moderne, afin de leur offrir une résonance contemporaine. Il y a une richesse historique et authentique, ainsi que des récits fascinants derrière ces œuvres – pourquoi elles ont été créées et ce qu’elles symbolisent – c’est pourquoi j’essaie d’apprendre autant que possible sur les maîtres avant de travailler sur leurs créations.
Quel est le message principal de l’exposition ?
DA : Mon travail est très varié, mais j’ai vraiment mis l’accent sur certaines pièces qui explorent le thème de la couleur, comme La Fille à la perle (Bada Bing Bada Boom) et la version de Vénus (Put the Screws On), qui présentent un fond de peinture rotative, en hommage à Damien Hirst, l’un de mes artistes favoris. Il y a beaucoup de couleurs vibrantes et de l’énergie pop, avec cette technique de peinture rotative qui attire le regard du spectateur vers le centre de la toile. J’ai également réalisé une série inspirée de Warhol, une série que j’ai réinterprétée de manière vivante, et si vous connaissez son œuvre, vous reconnaîtrez son influence dans des titres comme Call the Consigliere, Either You’re Somebody or You Ain’t Nobody, Leave the Gun – Take the Cannoli, et Made Man. Il n’y a pas un seul style défini, mais un motif de camouflage qui traverse toutes les pièces, car c’était une volonté de ma part d’intégrer ce motif. J’ai aussi expérimenté avec des ensembles en deux versions, afin que le public puisse choisir entre une version blanche ou une version colorée.
Comment le monde de la mode influence-t-il votre travail ?
DA : Je suis fascinée par les vitrines des grandes maisons de couture à New York, surtout pendant la période des fêtes, et par la manière dont elles transforment ces espaces en véritables œuvres d’art. J’ai toujours été captivée par la façon dont les vêtements ou les accessoires sont mis en valeur parmi d’autres objets, avec un style et un concept bien pensés derrière. Le dernier défilé Louis Vuitton avec Pharrell en est un exemple parfait : une maison de couture traditionnelle qui adopte une approche résolument moderne, avec des bagages LV anciens présentant un effet pixel camouflage. Ce mélange entre l’histoire de Louis Vuitton et une vision contemporaine m’inspire beaucoup, et j’ai cherché à appliquer cette même dynamique à mes peintures. La mode est constamment à l’avant-garde des tendances, et en matière de palettes de couleurs, de motifs ou de styles, elle me donne une grande source d’inspiration.
Parlez-nous de votre processus créatif, de la conception de l’idée à la pièce finie.
DA : Étant graphiste de formation, j’utilise d’abord des logiciels numériques avant de parvenir à l’image finale. Comme je suis très attentif à l’endroit où mes peintures seront exposées, j’aime pouvoir visualiser l’image finale avant de commencer à peindre. C’est pourquoi je crée d’abord l’œuvre sur Photoshop, en combinant plusieurs images. Une peinture peut passer par une dizaine de versions numériques avant d’arriver à la version finale, celle que j’aimerais accrocher chez moi. Le processus comprend généralement plusieurs étapes, de la recherche et des croquis à la création sur Photoshop, pour aboutir finalement à la peinture.
Avez-vous une pièce préférée dans l’exposition, et pourquoi ?
DA : Blow One Down est une œuvre classique représentant une princesse dans une robe bleue magnifique, richement ornée de dentelle et de bijoux. J’ai beaucoup travaillé sur cette pièce, mais je l’ai revisitée en y ajoutant un motif camouflage bleu, comme si elle était en quelque sorte cachée derrière une fenêtre, ce qui me semble intéressant. J’y ai aussi intégré des oiseaux au-dessus d’un fond de papier peint, en modifiant certaines couleurs, et tout cela a pris forme de manière cohérente. Une autre œuvre que j’aime beaucoup, qui est un peu la cousine de celle-ci, est Out on the Roof. C’est un très vieux tableau représentant un guerrier portant une robe. J’y ai ajouté une palette de couleurs vertes, ainsi que des oiseaux et quelques libellules pour apporter plus de détails. Ces deux œuvres sont mes préférées, car elles sont très épurées et j’apprécie l’utilisation de couleurs unies, ce que je fais rarement.